(转载)如何学习一门乐器演奏
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发信人: AranJuez (阿兰|戒色), 信区: Instrumental.Music
标 题: 如何学习一门乐器演奏(原创)
发信站: 水木社区 (Sun Aug 3 09:55:39 2008), 站内
第零定律 所有的乐器演奏是一门手艺
第一定律 每一门手艺都有特定的基本功
第二定律 一个人最终能达到的高度取决于音乐之外
第零定律 所有的乐器演奏是一门手艺
这个定律在我的一个学生那里得到了完美的体现.他从小练习武术,已经有十几年了,跟我学琴时他的职业是健身房的瑜加教练.教他的过程出人意料的顺利,因为他知道怎样学习和练习一门手艺.很多人练了很久的琴,却没有掌握正确练习方法,所以很快就会到达一个瓶颈,然后意志受挫逐渐放弃,或是带着坏习惯越战越勇,走火入魔.
练习手艺的秘诀就是把任何一个简单动作分解成尽量多独立动作,然后慢慢的,做这些分解动作,每一个分解动作都要过一遍大脑.开始一定要很慢很慢,让任何一个细节都进入你的脑子,正确地方式去重复它们,而不是错误的方式.当你可以以最慢的方式准确的重复他们的时候,就可以逐渐连贯起来,慢慢接近常规速度.然后再慢下来,再连贯起来,直到你在最慢的速度和常规速度之间的任何速度,都可以在充分展示了每一个动作细节的前提下做出这个动作时,才算是可以了.很多人弹琴快的时候可以弹下来,而慢了反而不会弹,原因就是他并没有掌握细节,而是利用惯性"冲"过去的.
下面用吉他右手食指钩弦的动作来说明一下一个简单动作是怎样被分解成尽量多的细节.请大家暂且忘记大卫罗素,威廉斯和陈志教授的说法,因为我讲的方法可能和他们的拨弦方式有冲突,但每个人的手指条件是不同的,演奏方法上也应该容忍这些不同.
首先我们定义手指最尖端的关节为小关节,和手掌交接的为大关节,中间的一个是二关节
拨弦的第一个动作,是要让手指的尖端触到琴弦,这个动作应该是由大关节和二关节主导完成的,不需要额外加力,仅仅是准确的将把手指的指肉部分"送"上琴弦,止住琴弦原有的震动,而不产生杂音.这时,三个关节都是半放松状态.
然后是压弦的动作,压弦的动作的发力实际上是来自于整个手掌,在压的一瞬间,三个关节都要有合理的正弯曲,呈刚性,传导来自于于手掌的压力,将琴弦延垂直于手指的方向下压.这时,三个关节都是紧张的.最后的音量决定于这时手掌下压的力度.
之后是绷弦的动作,这个动作是由小关节独立完成的,小关节独立的动作,把琴弦掌握在指尖像抽陀螺一样把琴弦抠一下的感觉.这个细节动作比较难用文字描述.音头的力度取决于这个动作.最难练习的也是这个动作,需要小关节的爆发力.
最后是离弦的动作,这个动作是由放松完成的.如果之前压琴弦压的足够深,再加上绷弦的爆发力足够好的话,所有的关节放松之后,应该会得到来自于琴弦的可观的弹力,在手掌固定的基础上,几个关节放松,顺势离开琴弦即可.
在这零点零几秒的时间内,可以被分解成四个动作,而每两个动作的衔接可能会让你的关节瞬间完成紧张和放松的转换,这些细节会让复杂的会让你吃惊.而当你用大脑练过他,并成为了习惯之后,你就会发现从细节开始是多么的重要.
尽力的把你能看到的动作分解分解再分解,就会看到平时看不到的东西,这就是手艺的精髓.
第一定律 每一门手艺都有特定的基本功
当你认识到乐器是一门手艺的时候,并有了正确的练习方法之后,就应改开始做一些基本功的训练了.
音乐的三个要素是节奏,旋律还有和声,虽然不是所有乐器都可以表现这些,但音乐就是是由他们三者以各种方式组合而成的.
基本功有两类,一类是通用基本功,比如说对于节奏的训练,或者说视唱乐谱或是耳听和声之类,对于一般的乐器爱好者,后两个似乎有些苛刻.他们需要另一方面的日积月累,还是把它们留给专业人士更好.对我们来说,更有用的是第二类基本功,就是针对一门乐器的基本功,即让人体工程学和乐器的特点完美结合,用你的手去"控制"一件乐器,去表达你的"心"想表达的东西.
还是用我熟悉的吉他来举例子,看看基本功都包括什么.
1.基本动作的准确
2.稳定的的手型下各个手指的独立性和平衡性
3.力度和耐力
这样就可以把吉他的各种基本功练习归类,比如左手的爬格子,基本动作的分解动作都是第一类;打乱顺序的爬格子还有各种排列的分解和弦练习都是第二类;强化小指练习就属于第三类.基本功的目的是练习你的手指让和你的乐器更加"亲近".而围绕着这三类基本功,你也可以根据自己的不足去设计基本功练习.
在练习基本功的时候,一定要用把动作分解的方法,从每一个细节开始.可能会很慢,但是当你快起来的时候,也许你就可以嘲笑那些当初嘲笑你的人了.
第二定律 一个人最终能达到的高度取决于音乐之外
首先我们要知道什么是音乐之内，才能什么是衡量音乐之外。当一个人具备了一定演奏基础，开始演奏乐谱上的音符时，就开始进入音乐了。
上次我们说了音乐的三个要素是节奏旋律和声，他们以不同的方式组合起来就是风格，而不同时代和不同地区的音乐有着不同的风格，从一个风格入手是必要的，就好像你要了解自然科学，你会选择通过物理还是化学或是别的科目来入手一样。比如说巴洛克时期的音乐复调和装饰音都很有特点，节奏相当平稳；浪漫主义时期的音乐旋律性很强，自由发挥的余地很大；而我们这个时代的爵士乐，在一定的框架下，拥有相当高的自由度，有很大的即兴成分；而另一个极端就是摇滚乐，融入了更多非音乐的元素，视觉和听觉的结合，还有狂热的现场气氛的冲击，颠覆了几百年来对于音乐的审美。从地域上，每个地区的音乐都有他的节奏和旋律和声特点，让人很容易分辨出那种特别的味道。
风格是一个外皮，就像演出的服装一样，今天你想穿哪套衣服给大家看，就是什么风格。演奏古典音乐的可能会看不起搞摇滚乐的，或者对爵士乐手充满了敬畏，而一个摇滚乐手通常觉得爵士乐实在是无聊之极。当你比较全面的了解一个风格的音乐，并在自己的乐器上可以实践他们的时候，就会发现换另一件衣服其实比你想象的容易的多，因为衣服和衣服的差别，总是比衣服和碗的差别小多了，换上不同的图案和颜色就是另一件衣服。
在回到正题，什么叫音乐之外的东西？比如天分，性格或是后天的修养，再说细一点，不光是一个人对音乐的感觉，自身的敏感和生活的阅历甚至包括开玩笑时喜欢怎样的幽默方式，都是会影响你的音乐的。从本质上，音乐是一种交流的方式，类似于语言，自己才是音乐的主体，而不是去努力的贴合一个自身之外的目标，不带自身感情的去演奏。将你的呼吸和情感，爱或者恨，自然的在音乐中流露出来的能力，就是我说的音乐之外的东西。而这个的前提，是技术和风格这些条条框框，已经不需要占用的大脑的内存时，你才可以去享受那种去“表达”的感觉。技术有难易，却无高贱，带有感情演奏一段简单的音乐比不带感情的演奏复杂的多的音乐更容易打动一个人。
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大海的叹息
天空的泪水
田野的微笑
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